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はてなキーワード: 半音とは
＞＞２～３ヘルツ
そんなに大きくなーい。
415.305 G#/A♭
440.000 ラ A
466.164 A#/B♭
＞言い方が大げさだよな
ただ周波数が聞き分けられるだけ、きき酒とかそういうのと同じ
＞チューナーの代わりになれる人
俺は音楽そのものの知識がないので楽典から買ってはじめようと思う
すでにどの音符がどの鍵盤に対応してるいるかは独学でなんとかした
問題はどの音がどの鍵盤に対応するかだが、チューナーでも買って
試行錯誤してみようかなとも思う
＞２～３ヘルツ
基準音オクターブ４のが440HZ その前後が 約415、466だから、約25HZの違い、
ピアノだとどの鍵盤間がもっとも周波数の違いが小さいのか調べてるけど、
ざっとみてたとえば
なおこれは絶対音感とは関係ないが鍵盤楽器はこれまで弾いたことがない
鍵盤楽器の所持もしていない
小学校のときに自分より下の学年は鍵盤ハーモニカだったが俺はただのハーモニカ
以来鍵盤に触れたこともない、楽器店で鍵盤に触れるのもおそれおおいというか
だが、なぜか指変えとかできる
駐車場でC7,C6,D7,E7,C9とか見るとテンション上がりませんか、筆者はあがります。
でも、C1,C2,C3,C4,C5,C8,C10,C12,C14は聞いたことがあんまりないですよね。
とりあえずCコードで。
Cコードはドミソ＝CEG＝135でできているんですけども
C D E F G A B C D E
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
ちなみにピアノの鍵盤は上記のようにカタカナとアルファベットと数字が対応しています。
で、Cコードにドミソ＝CEG＝135以外の音を加えて味を出すのがC7,C6,D7,E7,C9みたいな数字たちです
とここで、
「Cコードにドミソ＝CEG＝135以外の音を加えて味を出す数字」に１３５は使えないというか、C1,C3,C5はおそらくCです
（omit3をC5と呼ぶこともあるらしくそれはパワーコードです）http://rittor-music.jp/guitar/column/guitarchord/404
C４はあまり聞きませんがC11のことで、（C7にsus4の音を加えたやつのことで）http://music-school.mjapa.jp/piano_code/C11.html
すぐCにいきたがるやつです。（Dsus4→Dとかをサビの前にやるやつはすごくありがちです。）
１は真面目で４はやんちゃだからあんまり長時間1の前で４は出せないなんじゃないかと思います。個人の主観です。
１と４＃＝ドとファ＃、４と７＝ファとシはトライトーンというすごい勢いの不協和音になるらしいです。http://loopin.hatenablog.com/entry/2016/07/23/163917
C８もCから数えて8番目がCなので、C８はCです。
C2のことを忘れましたがC9がそうで、
さっきの「C4はC11」と同じ理屈の、C７に９の音＝１オクターブ高い２
足したやつのことで、♭７が入っているのでかげりのあるブルージーな響きです。http://toy-music.net/blog/9th%E3%82%B3%E3%83%BC%E3%83%89%E3%81%A8add9%E3%82%B3%E3%83%BC%E3%83%89%E3%81%AF%E5%85%A8%E7%84%B6%E9%81%95%E3%81%86%E3%82%88%EF%BC%81%EF%BD%9C1%E5%88%86%E3%81%A7%E8%AA%AD%E3%82%81%E3%82%8B%E3%82%AE/
といわれましてもあんまりブルース聞かないしADE7のイメージしかないというブルース音痴で申し訳ないです
弾いてみるとC9D9繰り返してカッティングで弾いたらかっこいいなって感じでした。
頭アフロにしてブーツカットはいてメタリックな紫の服着てそうだし、ラップも乗りそうな感じです
Cadd9もあります、こっちはCEGD＝１３５９で、
７を押さえないで9だけ足すものです
こっちはsus4と普通のコードと組み合わせてめちゃさわやかなイントロを作るなり、（鱗や涙がキラリ☆）
1弦2弦の3フレット固定でルート動かしてさわやかなイントロAメロをつくるなりに使うやつですよね。（車輪の唄、good goodbye)
Jpop（広義の）人間としてはこっちのほうが断然なじみ深かったです。
C１０はオクターブ高い3足したやつなのでCです。
１オクターブは、７なんですね。これから数増えたら７引いて考えます。
ググりました。
てか、さっきからずっとググってます。ちょいちょい貼ってるリンクが参考文献のつもりです。
http://music-school.mjapa.jp/guitar_code/C13.html
つかいどころはよくわかりません
http://mahoroba.logical-arts.jp/archives/57
これらのコードを使うことを「テンションを付ける」というそうです。
テンションは上げるか下げるかしか聞いたことなかったんですけどね、半音チューニングとか。
いわゆるダイアトニックコードというものはスケール上の音をルート（根音）として、そこから3度ずつ積み重ねっていったものです。三和音なら1度・3度・5度がこれにあたりますし、四和音なら1度・3度・5度・7度（長7度または短7度の場合がある）となります。ここまでは誰でも知ってますよね？ 実はテンションというのは「それより上」に3度ずつ積み重ねていったものに他なりません。つまり、7度の上には9度・11度・13度があるわけです。もっと具体的に言えば、Cmaj7というコードはド・ミ・ソ・シの4音でできていますが、さらにその上に3度ずつ積み重ねていくとレ・ファ・ラとなるわけです。ここまでで13度です。そのまた上の15度、すなわちドはどうか？というと、これは2オクターブ上でルートに戻ってしまいますから、一周してあとは同じパターンを繰り返します。ですから泣いても笑ってもこれで終わりです。結局、テンションというものは9度・11度・13度の3つしかあり得ないことがわかります。そしてこれはオクターブ下げてやると2度・4度・6度と同じであることもわかりますよね。つまりド・ミ・ソに対するレ・ファ・ラです。わかりにくかったら7を引いて考えればよいのです。
とのことでした。http://mahoroba.logical-arts.jp/archives/57
というわけで、コードに付けられる数字は6,7,9,11,13なことが分かりました。
C9は本当にかっこいいコードで、知れてよかったです。
皆さんが今度C6,C7,C9，C11,C13などの駐車場に車を停めたら、よかったらコードのことをまた思い出してください。
せっかくなので、ここ１年間で見た白泉社の漫画が原作のアニメの感想書きます。男だけど。
参考にしたサイトをよく見ずにいたら別の雑誌のが含んでしまいました。こりゃ大失態だ。
だいぶ昔のアニメなので、あらすじを見てもあんまり思い出せません。
ヒロインの女友達が、ヒロインの彼氏役の人を好きになってしまったことくらいしか覚えていません。
「知らないことは罪なこと」と突きつけらた気がしてとても胸が苦しくなったことは覚えています。
ヒロインの彼氏役の男の子みたいに、女の子を手玉にとるというか、弄ぶような人生も悪くないなあと思いました。
それから、曲がいいですね！特にエンディング曲の「オオカミハート」がとっても大好きです！気持ちが明るくなります。
Aメロのちょっとおとなしい感じ、Bメロのちょっと上がってまた戻ってちょっと上がってく感じ、そしてサビの弾むような感じがいいです！
「ポン！」ってところ、アクセントが効いててたまんないっす。
後でコード調べてメロディー耳コピしてエレクトーン演奏したいくらいです！
僕はヨナみたいな、ああいう志を強く持った女性を付き合いたいんです！
都を追われ、幼馴染のハクや、知識が豊富なユン、そして龍の力を受け継ぐ者たちと合流しながらその目的を果たさんとする彼女の姿を見ると、一生ついて行きたくなります！！どうか私も旅の一行に連れて行って！！！
それから曲がいいですね！
まずは第１クールオープニングの、オーケストラのメインテーマについて。とても大好きです！ストリングスがメインでめっちゃかっこいいです！
ゆったりとしたメロディーから、ストリングスが「トゥルルルル」って下がって曲調がガラリと変わって、激しくなるところが大好きです！
後でコード調べて各パート耳コピしてエレクトーン演奏したいくらいです！
次に第１クールエンディングの「夜」について。これまた大好きな曲です！切ないメロディ、歌詞が胸に響きわたります！
「雪が〜」で始まるサビ、たまんないっす。コード調べたら、なんとまあ素敵なコード進行なんでしょう！！半音下がる感じがいい感じっす。
後でコードちゃんと読んでメロディー耳コピしてエレクトーンで演奏したいくらいです！！
気が向いたら書きます。でも大好きです！たけおクンみたいな恋がしたいです！！
気が向いたら書きます。でも大好きです！ゼンみたいな恋がしたいです！！
この季節大事でしょ？
これから書くことはある程度歌が歌える人向け。
それなりにうまくなってきたと思うのに、どうしてか自分の歌がうまく思えないって人に向けた内容。
うまくなるのにあと一歩なにが足りないのかを書きたいと思います。
・全体的にはうまく歌えているのに1音1音の音程が今ひとつついていかない
・下手ではないのだけど、もっと声に張りと響きが欲しい
・表情筋というか口の開き方
・喉を広げるというか舌の位置
カラオケがうまくなりたくて、よく自分の声を録音して色々と試している。
録音を聞いていると、どうしても高音が上がり切らない。（半音未満足りない）
音程はなんとかついていっているのに、低音も高音も弱々しく、ムリに出そうとするとすぐに喉が潰れてしまう。
そんなことを悩んでました。
で、最近になって今度は鏡を見ながら歌い始めたところ、上手い人との違いが2つあることに気づいたんです。
それを解説するよ！
上達法を調べると大体出てくる表情筋とか口の開き方。でも、どれも説明が漠然。
大きく開けとか、表情しっかり作れとか書いてあるけど、どうしてそれで歌が上手くなるのかが書いてない。
それならば、例えば「あいうえお」を口を動かさないで言ってみよう。
音がこもることがわかった？
じゃぁ今度は大げさに口を開きながら「あいうえお」といってみよう。
音の抜けが良くなったよね。
つまりこういうこと。「音は、口の形に比例してクリアになる。」
これを歌に応用すると、歌詞に対して、口が先に開いていることが重要ということになる。
逆を返せば、音程が後追いになってる人は、口の開きが後追いになっているということ。
鏡を見ながら歌ってみてわかったことは、口の開きがどの音の時も同じくらいだったってことでした。
とくに「いえお」の音を意識して口を開いてみて。
もう一つ鏡を見て気づいたことは、舌の位置が違うということ。
自分はどちらかというと舌が長いほうだったので、できるだけ口に収めようと歌っていたのがさらによくなかったみたい。
歌が上手い人の舌は喉を隠さないように避けているのに、自分の歌っている顔を見ていると舌の奥のほうが喉を隠しているのに気づいた。
そこで舌の奥を丸めずに下げるようにしてみたところ、低音の伸びが明らかに変わりました。
ポイントは喉を開くのではなくて、舌の奥のほうを下げるということ。
とくに「いえ」の音の時が、無意識に舌が喉を隠してしまうと思うので練習が必要。
ということでポイントは2つだけど、やっていることは一つ。
喉で鳴った音を口でこもらせないでしっかり送り出してあげるということ。
どちらも筋肉が必要なことだから最初は戸惑うかもしれないけど、録音で上達が行き詰まった人は鏡を活用してみてね！
自分の録音がいきなり上手くなってびっくりするよ！
自分は、ピアノ大嫌いだけど、物心ついたころからピアノを習っていて、高校１年までやっていた。
だが、親の趣味で無理やりやらされたので大嫌いだった。ピアノの音も大嫌いだった。
で、結局最後の方は『きらきら星変奏曲』とか『子犬のワルツ』だか『ラ・カンパネラ』だったかなで終わった。何で終わったか覚えてもいないけどさ。
大嫌いだから、全国トップレベルの高校に進学できたのを言い訳にやめた。
で、今たまたま検索したら、結構難易度高いじゃん。上級者にさしかけてるくらい？
そんなに難しいと思わなかったんだけど、大人から初めて身につけるには難易度高いのかね。
俺はピアノの音がそもそも大嫌いなんだけど。これは生理的なものだからしょうがないとして。
ピアノを弾くのは一応好きだったんだよ。トルコ行進曲とか、テンポが速い奴ね。
それに、俺は楽譜を読まないで引いていた。楽譜は暗記して、手の動きだけで覚えていた。
こういう感じで、理解せずに音をそのままたどるだけだから、クッソつまらないと思ったんだろうね。ピアノなんて機械に弾かせてろよって思ってた。
実際、ピアノのうまい下手なんて今でも分からない。機械が精緻に弾くのと、プロとの違いが俺には分からない。
で、そんなテキトウにやってたものだから、あんまり大したもんじゃねーだろって思ってたけど。
あと、ピアノってさー。親はトップレベルまで行ったらしいけど、わかんないんだよ、何が順路なのか。
将棋とかなら、まあ分かるじゃん、どの程度の読みが～とか。あるいは、勉強でもいいよ。
ドラクエみたいに、明確にレベルが上がって、「この曲がひければ～」とかってのがあれば面白かったんだけど。
そういうの無いじゃん。どんだけ難しい曲でも、繰り返し繰り返し練習すれば、馬鹿でも難易度高くても機械みたいに弾けるじゃんとしか思わなかった。
あと、教育方法っつーか。一人で勉強できないのもクソだと思った。
ペダリングの扱いとか、ロシア人に習いましょうだの。指の動かし方のテクニック的にこの曲の解釈はどうだの。ってのが前提になるんだけど。
このあたりにまったく面白さを感じなかった。
まあ、その当たりを鑑みて新しい譜面を作りましょうとかって運動もあるみたいだけど。
俺は完全に理系だから、「半音より半音」みたいなのを、ペダルで～とか、解釈で～とか言い出すのが死ぬほどウザク感じた。
いやいや、ピアノって楽器の不備なんだから、解釈どうこうより、ピアノを破棄して新しい楽器で再調整しろよ。と感じた。
とにかく。
ピアノってのがよくなかった。
「音楽」っていう広いジャンルの一つとしてピアノを捕らえるのは理解できるけど。ピアノから音楽をとらえるってのは馬鹿だと思っていた。
（承前）
http://anond.hatelabo.jp/20150214223556
――スティーヴ・レイシーは独立独歩のソプラノ・サックス奏者です。サックスといえばアルトかテナーだった50年代からソプラノを吹いていました。
Evidence (1961) http://youtu.be/X9SBzQw2IJY?t=5m42s
( ・3・) 面白いテーマの曲だな。真面目な顔で冗談を言っているような。
――セロニアス・モンクが書いた曲です。レイシーはモンクの曲をたくさん演奏しています。一方、ハリウッドやブロードウェイの曲はとりあげない。レパートリーに関しては人文系の古本屋の主人みたいなところがあります。
( ・3・) みすず書房とか白水社とか、そういう本ばかり並んでいるわけだ。
――白水社といえば、レイシーはサミュエル・ベケットと面識があって、ベケットのテクストに基づいた作品も発表しています。
( ・3・) 「真夜中だ。雨が窓に打ちつけている」
――「真夜中ではなかった。雨は降っていなかった」――と、ベケットごっこはともかく、演奏はどうでしょう？
( ・3・) まっすぐな音だな。あまりヴィブラートをかけない。アタックの瞬間から音程の中心を目指している。必ずしも正確な音程というわけではないけれど。ソロのとり方としては、テーマとの関連性を保って、構成を考えながら吹いているように聴こえる。言うべきことだけを言って余計なことはしゃべらない。
――そういう点では、プレイヤーの資質としてはマイルス・デイヴィスに近いのかもしれません。マイルスとも少しだけ共演したことがあるのですが、もし正式にバンドに加わっていたら歴史が変わったかも。 [6]
Reincarnation of a Lovebird (1987) http://youtu.be/FbaKNB4cIlc
――こちらは後年の録音。ギル・エヴァンスという編曲の仕事で有名な人がエレピを弾いています。この人も指だけ達者に動くのとは対極にいるタイプで、柔らかい音色で中和されていますが、ずいぶん込み入った和声です。
( ・3・) そこらじゅうで半音がぶつかってるな。
――でも美しい。
――昔、レコードを扱う仕事をしていたので確信をもって言えるのですが、日本でいちばん人気のあるジャズ・ミュージシャンはビル・エヴァンスです。マイルス・デイヴィスよりもリスナーの裾野は広いかもしれません。
( ・3・) 俺でも『ワルツ・フォー・デビー』を持ってるくらいだからな。でもどうして「とりあえずエヴァンスを聴け」みたいな風潮になってるんだ？
――まず、彼がピアニストだということ。もしベース奏者だったらここまでの人気は得られません。それから、ロマン派や印象派に慣れた耳で聴いても違和感がないこと。ジャズに関心がなくてもエヴァンスは聴く、というケースは大いにありうるでしょう。最後に、みもふたもない言い方ですが、彼が白人で、細身で、眼鏡をかけていたこと。
( ・3・) 知的で繊細に見えるのな。
――知的で繊細なジャンキーでした。もっとも、最後の要素はなかったことにされがちなのですが……。
――はい。エヴァンスやチェット・ベイカーに深く共感してしまう人は、モルヒネの代用として聴いているのではないかと思います。「マイ・ファニー・ヴァレンタイン」という有名な曲をとりあげたいのですが、エヴァンスの前に、まず歌の入ったものから。フランク・シナトラのヴァージョンです。
My Funny Valentine (Sinatra, 1953) http://youtu.be/z9lXbgD01e4
( ・3・) 金の力に満ちた声だな。His voice is full of money.
――マフィアを怒らせるようなことを言わないでください。折り目の正しい編曲で、ポップスとしては非の打ちどころがありません。ボブ・ディランの新譜はシナトラのカヴァー集らしいのですが、ディランが子供のころにラジオで流れていたのはこういう音楽です。当時のアメリカ人にとっては、ほとんど無意識に刷り込まれた声と言っていいでしょう。
My Funny Valentine (Baker, 1954) http://youtu.be/jvXywhJpOKs
( ・3・) 出た、いけすかないイケメン。
――チェット・ベイカー。午前三時の音楽です。もう夜が明けることはないんじゃないかという気がしてくる。どんな曲か覚えたところで、エヴァンスを聴いてみましょう。
My Funny Valentine (Evans and Hall, 1962) http://youtu.be/ReOms_FY7EU
( ・3・) 速い。
――速い。そしてちょっと信じられないクオリティの演奏です。ジャズではいつでも誰でもこれくらいできて当然かというと、そんなことはないので安心してください。
――別のテイクではちがうことをしているので、ほとんど即興だと思います。決まっているのはコード進行だけ。
( ・3・) コードの構成音をぱらぱら弾いてもこうはならんわな。自分の頭の中にあるモチーフを発展させるのと、相手の音を聴いて反応するのと――そういう意味ではチェスに似ている。
――この演奏は一対一ですからね。集中力は同じくらい必要かもしれません。しかも持ち時間はゼロという。互いに相手の出方を読んでいるうちに一種のテレパシーが起こって、3分50秒あたりにはふたりの脳がつながっているような瞬間があります。
( ・3・) このギターを弾いてるのは？
――ああ、忘れていました。ジム・ホール。偉大なギタリストです。悪魔に魂を売って人並み外れた演奏技術を手に入れるというブルースの伝説がありますが、ジム・ホールの場合は魂ではなく頭髪を犠牲にしました。
( ・3・) また好き勝手な話をつくって……。
――いえ、本人がそう語っています。ジミー・ジューフリーのバンドにいたころ、どう演奏すればいいのか悩んで髪が薄くなったと。 [7] でも、髪なんていくらでもくれてやればいいんですよ。肉体は滅びますが芸術は永遠です。
( ・3・) ジミー・ジューフリーって、あのドラムのいない現代音楽みたいなジャズをやってた人か。そりゃ大変だったろうな。
持参したCDを一通りかけて、そろそろ日が傾いてきた。彼はライナーノーツをめくりながら「はーん」「ふーん」などとつぶやいていたが、夕食の邪魔にならないうちにおいとましたほうがよさそうだ。
「もう帰るのか？」
「そうか。わざわざ悪かったな。よし、ちーちゃん、お客様にご挨拶だ」
彼はそう言って猫を抱き上げたが、ちーちゃんは腕をまっすぐにつっぱって、できるだけ彼から離れたがっているようだった。
「きょう持ってきてくれたCDは、うちに置いていっていいからな」
「置いていっていい？」
「だってほら、いちど聴いただけじゃよく分からんだろ。そのかわりと言ってはなんだが、シュニトケの弦楽四重奏曲集を貸してやろう。何番が優れていると思うか感想を聞かせてくれ」
まだCDは返ってこない。「返してほしけりゃ取りに来い」と彼は笑うが、その目はハシビロコウのように鋭い。ただ来いというだけではなくて、また別のCDを持って来させる魂胆なのだ。わたしはどうすればいいのだろう？ ただひとつの慰めは、彼の娘さん――父親との血のつながりが疑われるかわいらしさの娘さん――の耳に、エリック・ドルフィーやオーネット・コールマンが届いているかもしれないということだ。サックスを始めた彼女の頭にたくさんのはてなが浮かばんことを。
http://www.nicovideo.jp/mylist/34787975
[2] http://www.nytimes.com/2009/10/18/books/excerpt-thelonious-monk.html
[3] http://nprmusic.tumblr.com/post/80268731045/
[4] Frederick J. Spencer. Jazz and Death: Medical Profiles of Jazz Greats. University Press of Mississippi, 2002. p. 36. "A diet of honey is not recommended for anyone, and especially not for a diabetic, or prediabetic, patient."
[5] http://www.furious.com/perfect/ericdolphy2.html "'Eric Dolphy died from an overdose of honey,' arranger/band leader Gil Evans believed. 'Everybody thinks that he died from an overdose of dope but he was on a health kick. He got instant diabetes. He didn't know he had it.'"
[6] http://www.pointofdeparture.org/archives/PoD-17/PoD17WhatsNew.html
[7] http://downbeat.com/default.asp?sect=stories&subsect=story_detail&sid=1111
いまいち駅伝の楽しみ方がわからないなーと考えていたら、この記事を思い出した。
http://blog.livedoor.jp/kensuu/archives/55077465.html
ゲームの歴史はそこそこ長いのに、なぜこのタイミングか、というのは
YouTubeなどの個人が投稿できる動画プラットフォームができた
という時代の流れにすぎません。
記事で書かれているゲーム実況が流行った理由は多分半分、というか送り手側のもので
1.プレイの楽しみどころが共有されていること
駅伝でいうと、レースがどう動いていくかの前知識がなかったり(1)、大学名を言われても、どうすごいのかピンとこなかったり(2)。
どこで読んだのか忘れてしまったけれど、ブームの頃にストIIのプレイを見ていた父親から、
なんでそのスキの多そうなアッパー(昇竜拳)を打つのかと聞かれた、みたいな話があった。
そこそそゲームに触れてきた人なら、不可解に見える行動もゲーム的に有効なんだろうと類推できる（あるいは解る俺でドヤれる）。
半音上がりの効果音を鳴らしながら画面の記号が消えていくと、連鎖的な何かが起こったんだろうと想像できる。
あるいは、プレイの面白さ自体を知らなくとも、スタープレイヤー見たさが強い動機になる（そしてこっちの層がおそらく厚い）。
プレイヤーの声や姿を映すことは今までもできたけれど、それをローカルなスターで終わらせないための方法はここ5年で格段に増えた。しかも、受け手側も関与可能な方法で。
劇場で上映されている、『オペラ座の怪人』25周年記念公演 in ロンドンは音がずれています。
これから見に行こうと考えている方（特に絶対音感のある方）は、ご注意ください。
私は、途中で気持ち悪くなり、退場いたしました。
なぜ音がズレているのか問い合わせメールを出したところ、
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観させていただきました。
音が半音下がっている箇所がありました。
私は絶対音感があるので、音のゆらぎが気持ち悪くなり
ご回答のほどよろしくお願い致します。
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ご指摘の件、ロンドンのUniversal Pictures International（UPI）に
問い合わせたところ、以下のことが判明いたしました。
この公演の撮影は、フレームレイトが25フレームの規格の機材で行われました。
DCP（Digital Cinema Package）という世界規格に変換する必要がありました。
この規格のフレームレイトは24フレーム、すなわち1秒間に24コマの映像が収録
されます。
収録音声を早回しにすると音が高くなり、
遅回しにすると音が低くなる現象は、容易に想像できるかと思います。
今回は、1秒間25コマの速度で収録された音声を
1秒間24コマのスピードで再生することとなり、25分の1秒分遅回しにすることに
よって、
その分、音程が低くなったというのが、理論上考えられることです。
非常に微少なスピード差であるので、これによって半音以上の音程差が生じると
は考えにくく、
絶対的に音感の鋭敏な方には判る可能性がある一方、
UPIでは、DCP上映にあたり同様の指摘を受けたのは、今回が初めてという説明です。
更に日本国内のスタジオに取材してみたところ、楽器や声の音質や、旋律、音の
高低により、
特に差が目立って聴こえる箇所があるのかも知れない、ということです。
音程の問題を解消する手段としては、音声のスピードを変えずに再生するため、
映像を毎秒1コマずつ間引いて24フレームに合わせる方法がありますが、
これを用いると、今度は映像の方に飛んでいるような現象が生じる可能性があり、
なぜフレームレイトの違う機材で撮影を行ったのか、という疑問が生まれますが、
これはアナログ時代から世界各地で異なるビデオ信号が採用されていた歴史があり、
それに伴い英国では25フレームというフレームレイトが一般的で、
UPIとしては、日本での上映を心待ちにされているお客様のために最速の実現を
目指した結果、
限られた時間と環境の中で出来うる限り最良の映像と音声を送ったつもりだった
ということです。
これまでの説明で我々の理解するかぎり、ご指摘くださったお客様は、
ごく少数の並ならぬ鋭敏な音感の持ち主でいらっしゃるということが言えそうです。
我慢を強いることとなりましたことをお詫び申し上げるとともに、ご理解を賜れ
ればと存じます。
今回のご指摘を真摯に受け止め、今後の課題とさせていただきます。
なお、DVDおよびブルーレイにつきましては、音程の問題を修正し、
Really Useful Group（RUG）の監修と承認を受けたものを発売する旨、UPIの確
認を取りました。
日本で発売されるDVDおよびブルーレイは、UPIの制作するマスターに基づくもの
です。
自分は大人になってからの服薬で、テグレトールじゃないけど飲んでる。
それが狂ったことですごく気持ち悪い思いをしてる。
ちゃんと聞いてそのとおりに歌えるけど、それをmidiに落として鳴らすと半音違う。そんな感じ。
でも意外と慣れるもので、そういうものだと頭でも理解できたので、
なので、服用しなくなったらなったで意外と慣れると思う。
表題のとおり。
てんかんのためにテグレトール（カルバマゼピン）を処方されているわけだが、ググってみるとそれらしき副作用があるそうだ。
小さい時から服用しているのでもう慣れてしまったわけだが、たまに飲み忘れた際に逆に「半音高い音」つまり正しい音に違和感を抱いてしまう。
幸いというべきか、音楽は聴くだけで演奏する立場になることはないため「違和感」で済んでしまうのだが。
それはそうと、これに慣れてしまってるせいではあろうが好きな曲とかは普通に存在する。違和感を感じないんだし当たり前か。
別に「この曲おかしくね？」って感じることは普段ない。
ちなみに長らく発作は出ていない。（この薬のおかげなのだろうけれど）
将来、この薬を服用をやめることがあればどうなるのだろう。
えっと、興味のないことは全然頭に入らない・身に付かない反面、興味があることには病的に凝る人です。
4歳からヴァイオリンやってるくせに練習嫌い、それでも奇跡的に先生に破門されず、
高校でそこを卒業するまでなんとなく続けてきた程度のヘタレです。
残ったのは経験年数だけ食っている状態、絶対音感も最近狂い気味
(正しい音程の調性を、自分の基準より半音ほど高く感じるようになった)と、
他人が見本にするところは全然ない、そんな非コミュのおっさんです。
そんな俺が今のオケに入ったことをきっかけに身に付けた、クラシック曲の合奏で
かろうじて足を引っ張らないくらいに弾けるようにするハウツーのお話です。
と言ってもドヤ顔ではありません。むしろ「こんなんで正直ごめんなさい」みたいな告白。
まずAmazonやオケ仲間の評価を元に信頼できる音源とスコア、信頼できる楽曲解説を入手する。
そんでスコアと解説片手にひたすら曲を聴く。
そうすると「そもそもこの曲はどういう曲か」というのが頭にイメージできてくる。
その作曲家の音で常に弾けそうな気分になってくる。
楽器同士の絡みから、どこの場面で何を聴いて合わせればいいかも見えてくる。
そして「だから俺はこう弾きたい！」と思えてくる。
そこまで行って、初めて合奏練習を楽しく感じられて、調子が出てくる。
あとは全体から細部にブレイクダウン。
曲全体の流れのうち、絶対に弾けないと許されない箇所は真っ先に押さえられる反面、
細かいところは最後まで弾けなかったりする。やっぱりヘタレだ。
こんな面倒なことするヒマがあったら百万回さらえばいいのは分かっている。
それに他のアマオケプレーヤーから見たらかなり甘いやり方と思われるだろう。
でもこういう面倒なプロセスを経由しないと興味のベクトルがそっちに向かないし、
興味が湧くまで右から左に抜けていく状態なのだから仕方がない。
そもそも不勉強な状態で出す音なんて頓珍漢過ぎて聴かせられたもんじゃない。
当初そのオケに入ったときは、メンバーのあまりの上手さに圧倒され、
とても追いつけないがなんとかついて行くにはどうするか、楽しむにはどうするかを真剣に悩んだ。
その結果編み出したのが上に書いた方法。
もちろん、周りから見て本当に何とかなっているかは今でも分からない。
でも楽しむと言う目標は達成できたし、さっぱり理解できなかったクラシック曲の面白さが
分かったし、それは大きな収穫だった。冗談抜きでQOL上がったんじゃね？という感じ。
あ、雑談のつもりで「この曲って、作曲家が○○で(中略)それが音に出てていいんですよね～」とか
「(オペラの抜粋をやったとき)ここって、ステージでは××が(ry」とかオケ仲間に話しかけたら
「何でそんな詳しいの？」と相手にドン引きされたことが何回かあったっけ。
自分みたくいらんことを知らなくたって弾ける人がほとんどということですね。
それに音なんて結果が全てなので、別に知らなくても悪いわけじゃないし。
なので最近はそんな話はほとんどしていません。
てか非コミュでごめんなさい。
音の高さは周波数で表現される。周波数が2倍になったとき，われわれは音色が保たれたまま1段「高く」なったと感じる。4倍で2段。2^n倍でn段となる。これに必然性はなく生物的所与条件にすぎない（たとえば，3倍を1段と感じたり，100Hzごとに1段と感じる生物がいてもよい）。人間の耳は20Hz～20000Hzまでの音を知覚できるので，最大10段程度（2^10=1024倍）の音色を聞き分けられることになる。
1段を細分化する制度が音階である。分割の仕方には2つの論点がある。まず，いくつに分割するか。一般によく知られているのは12階に分割する方法（12音階）だが，これが「正しい」わけではない。5音階や3音階を採用した音楽文化も存在する。次に，どのように分割するか。先述のとおり音色は比で決定されるので，差で分割するのは普遍性に欠ける（1段内のみなら可能だが，2段目以降に適用したときに破綻する）。人間の耳は最小で周波数の0.3%が変化したときにその変化を感知できることが知られている。よって1.003以上の比で分割することになる。各音の比を可変にして，常に整数値になるようにしたものを純正律，また各音の比が一定になるようにしたものを平均律という。平均律12音階制を採用した場合，各音の比は12√2になる。これは無理数であるので，これをもとに音楽を奏でるときには近似値を用いなければならない。
F = f * 2^(x/12)
と表すことができる。なおfは基準音，xは基準音からの隔たりを示す整数（音程）である。前提から自明であるが，これは離散的な値をとる。
音階に基づく音を時系列に沿って表示する記号体系として五線譜が広く用いられている。周波数の高低を視覚的な上下に置き換えて示すため直観的にわかりやすい。この五線譜を周波数のグラフとして考えることができる。各々の線は等比的な増大を示すため，対数グラフである。ただし一般的な五線譜の記法は7音階＋5半音という古典的な考え方に基づいているため完全な対数グラフではない。
ハ長調と二長調が別に聞こえるってそりゃ普通だ。威張ることではない。本当はそういう雰囲気や気分の微妙な違いを考えて曲を作る。(だから昔の人はそういう違いを言いあてたいから、あれこれ表現したってわけだ)
でも、ポップスはどうかな。タダの音域あわせという発想でいいかもしれない。クラシックだって歌の場合は移調するからね、声域によって。あまり難しく考える必要はないかもしれん。
ポップスの音楽理論でどこまで実践したいのか知らないが、移動ドで考えると即興で移調できたりする(訓練は必要だ、そりゃ)。あと、微妙な音程感覚は移動ドのほうが感じやすいだろうな。絶対音感なんてものはどうでもいいし。ま、それも電子楽器つかうだけなら関係ないし、ギターって言っても、なあ。名人クラスはどうか知らんが、たいていそこまで考えて音程とってないだろ、普通は。
本当は歌やる人は 、自分で音程を作る楽器を何かやって半音の微妙な違いを鍛えた方がいい。けど、これも普通はしなくてピアノどまりだね。
音楽理論というからあれこれ書いた。続編頼むぞ。
ポップスの根幹を成すコードというものは基本的にスケールを一つ飛ばしで作るものだ
スケールとは音の並び、もっと言えば音がどういう間隔で一オクターブ上まであがって行くか、である
レミファ＃ソラシド＃レなら同じである
全ー全ー半ー全ー全ー全ー半で一週するのをメジャースケールという
全ー半ー全ー全ー半ー全ー全で一週するのをマイナースケールという
ポップスは、ほとんどこのスケールである
ここで唐突に出てきた全半の記号ではあるが、
ピアノなら白鍵黒鍵ごたまぜで鍵盤一つが半音、二つが全音である
そして、このとき基準となる音を、最初に弾く音とする
これをキーとよぶ（大事な音であるからだろうか？）
キーはアルファベットで書かれるが、
要はC=ド、D=レ、E=ミ、F=ファ、G=ソ、A=ラ、B=シという至極単純な読み替えである
キーを一つカラオケで下げたりする人がいるが、僕としては二つ下げたほうが歌いやすいと思う
理由は後々触れると思う
最初に基準の音を決め、そこから一個飛ばしにして取っていく(例)ドミソ、レファラ
こうして重ねたのがコードである、ということで今回は終了
専門ではないのでアバウトですが。
「チャンチャンチャンチャン」は３つの音の間に半音程がないから、割と調性を感じさせない３音で、
コードとの関係からはペンタトニック（５音階：７音階から２音を省いた音階。沖縄音階なんかもそう）の
一部と解釈できると思う。
ペンタトニックはテトラコルドていう３音階が２つ積み上がったものと解釈できて、一般にはアジアっぽさを感じさせる音階と言える。
一応↓のように表記するけど、西洋の音階との一番大きい違いは主音がないことで、中心がコロコロ変わりうる。
Wikiにもあるけど、ドーファ、ソードの間に、互いに完全５度の関係にある２音がどこに入るかで、雰囲気が変わってくる。
例えば、
（１）ドーレbーファーソーラbード、なら雅楽その１（都節？）。
（２）ドーレ ーファーソーラ ード、なら雅楽その２（律とか呂とか？ここらへん曖昧）。
（３）ドーミbーファーソーシbード、ならいわゆるロックのペンタ、民謡音階など。
のように。
このイントロ３音は（便宜上）（３）の一部って感じではないかと。
でも「中国っぽい」と感じる要素で一番大きいのは音色じゃないかなあ。
使ってるスケールの問題じゃね？
普通、西洋はダイアトニックスケール使うから、このイントロみたいな使い方はしない。
西洋風にやりたいなら、この音配置は逆。
この順序でいきたいのだったら洋楽なら、ここは半音下の音をつかうはず。
じゃないと次のコードにいけないからね。
同様にBメロのところは、
ピッチベンドで西洋音楽ではいっちゃいけない所に音を飛ばしている。
あと、微妙に12音階外れた音いれてるのもオリエンタルを感じさせる要因なんじゃないかな。
イントロのこの単純な刻みもDTMなのにわざわざアタックだけずらしてるよ。
ほら貝を吹いたときみたいな音の変化というのかな。
そういう工夫がされてる。
